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La importancia del proceso de preimpresión

En imprenta, todos los diseños, antes de la impresión final, requieren de un proceso de preimpresión, en el cual se llevan a cabo todos los procedimientos para que el arte final obtenga un acabado de calidad. Hay muchos factores que pueden afectar al proceso de preimpresión y por ello es muy importante prestar atención en cada una de las fases y cuidar todos los detalles.

preimpresión elda

Preimpresión Elda y Alicante

Las cinco fases de preimpresión

  1. Recepción de originales: en muchos casos, cuando los archivos no están digitalizados y especializados, se procede a la digitalización de estos.
  2. Tratamientos: en esta etapa se optimizan funciones como el color, el tamaño o el formato. Todo lo necesario para conseguir un buen acabado del arte final pues el cliente aún tiene la oportunidad de hacer cambios en el diseño. Para ello, se utilizan herramientas como Photoshop, Indesign o Illustration.
  3. Maquetación: en esta etapa se prepara la maquetación de cada una de las páginas, tramado y separación de color, comprobación de las resoluciones, etc.
  4. Prueba de preimpresión: finalmente, antes de realizar la impresión definitiva es conveniente realizar una prueba de impresión para que el cliente pueda revistar el acabado final. Son muy importantes para poder comprobar la calidad del producto y mostrar que el impreso se ajusta a las condiciones acordadas de impresión.
  5. Preparación de planchas: por último, cuando se han realizado todos los procesos de preimpresión, es el momento de realizar las planchas para los rodillos de impresión en el caso de la impresión offset y poner en marcha el proceso de impresión.

 

La preimpesión es un proceso fundamental y para mejorarlo,  en Gráficas Azorín hemos implementado la optimización y estandarización colorimétrica bajo normativa europea ISO. Además, recientemente hemos sido certificados como “Marca de Calidad Gráfica” por el Cluster de la Industria Gráfica de la C.V.

 

 

 

Madrid Photo Fest, festival fotográfico de calado internacional

Comenzamos el año con nuestro primer post, y aprovechamos para hacernos eco de uno de los festivales fotográficos más relevantes del panorama nacional: Madrid Photo Fest.

Cuatro días de programación, en la edición de este año el festival cuenta con la presencia de grandes figuras internacionales y nacionales de la talla de Albert Watson, Miguel Reveriego o el estudio de Post Producción Silhouette Studio.

 

Madrid Photo Fest Cartel

Madrid Photo Fest Cartel

 

Dirigida a todos los profesionales y amantes del sector y todo lo que la rodea, Madrid tendrá el privilegio de reunir entre los días 8 y 11 de marzo a los nombres más potentes de la cámara, quienes compartirán con el público asistente su experiencia y conocimientos.

En relación a la fotografía de producto  Paloma Rincón ofrecerá su visión, quien con una técnica exquisita crea un lenguaje publicitario propio que la ha convertido en una de las más importantes fotógrafas de publicidad.

La fotografía de moda estará también presente de la mano de Miguel Reveriego, el fotógrafo español del sector con más proyección internacional de la industria, nos mostrará y dejará participar de su nuevo proyecto, su creatividad y su gran dominio de la técnica.

También la concienciación social y el fotoperiodismo tendrá su hueco con Manu Brabo, ganador del premio Pulitzer en 2013.

Dentro del solar patrio no podemos entender la fotografía sin todo lo relacionado a la postproducción y creación digital fotográfica, por lo que habrá una zona específica para estas técnicas en Madrid Photo Fest.

En esta zona podremos asistir a numerosos talleres y workshops, entre ellos los impartidos por grandes figuras del empleo de la técnica fotográfica y digital como Cromagnon, Numérique, Recom Farmhouse, o Silhouette Studio, retocadores de Mert&Marcus, Annie Leivobitz o Steven Klein.

En Gráficas Azorín os encanta la fotografía, el medio de la imagen siempre en contacto directo con la producción artística y las artes gráficas, así que seguiremos al tanto de todos los eventos fotográficos del año para seguir informando.

Tendencias en impresión para el 2018

El marketing más efectivo es simple, personal y asequible. En 2018, esto será más importante que nunca a medida que surjan nuevas tendencias de marketing y publicidad para medios impresos. Con tantas cosas que suceden digitalmente, si no tenemos cuidado, nos perderemos en medio del ruido de las pantallas, por eso necesitamos un buen material impreso para nuestra publicidad offline.

El material impreso puede ser atractivo y memorable; la belleza simple de lo que se puede coger y tocar. En toda la confusión de la era de la información, ser capaz de mantener algo tangible ayuda a crear conexiones profundas entre los consumidores y lo más importante, crea credibilidad en su público objetivo.

Siempre manteniéndote un paso adelante, desde Gráficas Azorín queremos despedir el año con un breve y conciso repaso a las tendencias en impresión que están por venir.

1. Impresión personalizada

La impresión es un medio muy personal, pero ¿por qué no dar un paso más? Con impresiones personalizadas puede llegar al consumidor a nivel individual y construir una relación significativa. Técnicas como la impresión de carteles personalizados, folletos personalizados y correo directo le darán una ventaja a su marketing impreso. Si realmente desea impresionar, intente recopilar datos en línea sobre las preferencias de su cliente e inclúyalos en forma impresa.

2. Combinando el medio impreso y el digital

La impresión no debe verse como el enemigo del marketing digital, sino más bien como una estrategia que puede funcionar junto con el compromiso digital para aumentar las ventas. El reciente Informe de tendencias de Print in a Digital World 2017 nos dice que “estamos en una revolución de la información, impulsada por la intersección de dos de los mecanismos de transferencia de conocimiento más importantes de nuestro tiempo”. El informe también destaca cómo podemos “beneficiarnos de la mezcla de los medios online y offline”. Las nuevas tendencias de material impreso para marketing toman esto en consideración e intentan mezclar la impresión con lo digital.

 

Tendencias en impresión 2018

Tendencias en impresión 2018

3. Foil Stamping

La gente ama las cosas brillantes Si desea que su herramientas de marketing impreso sean llamativas y llamen la atención, hágalo brillante. El estampado con laminado de aluminio o foil stamping es una técnica de impresión muy elegante y poco utilizada, por lo que el papel está envuelto en una fina  película de aluminio para crear un sorprendente efecto metálico. Puede ir fluorescente, claro, translúcido, envolverlo en un brillo opaco o incluso crear un aspecto holográfico. El estampado de aluminio se ve mejor que los diseños simples con líneas más gruesas, especialmente si se desea un efecto reflectante, y la gran ventaja del estampado de aluminio es su durabilidad. Hace que todo dure más tiempo; lo que significa que el mensaje de tu póster o flyer también lo hará.

Tendencias en impresión 2018

Tendencias en impresión 2018

4. Barniz por puntos

¿Desea agregar énfasis a una parte específica de su diseño? El barnizado por puntos es la tendencia de recubrimiento que necesitas. Se agregará profundidad y brillo a la imagen que desea resaltar. ¿Por qué no usarlo para hacer que sus logotipos e imágenes de marca se vean más vibrantes?

 

Estas cuatro tendencias junto con otros muchos recursos marcarán sin duda los materiales publicitarios impresos del próximo año. Desde Gráficas Azorín os deseamos un feliz año nuevo y que el diseño, las artes gráficas y la creatividad sigan siendo distintivo de nuestro saber hacer.

Ultra Violet, el color Pantone para 2018

Ultra Violet, la elección Pantone para el 2018.Ya terminando el 2017, año en el que el Pantone Greenery ha reinado como color de tendencia, se anuncia el ya esperado color del 2018. Para el próximo año la paleta cromática de los diseñadores se llenará de violáceos.

Ultra Violet, la elección Pantone para el 2018.

 

Ultra Violet. Color Pantone 2018.

Ultra Violet. Color Pantone 2018.

 

Lanzado en 2000, el color del año de Pantone se basa en las tendencias de la industria en áreas tan variadas como el diseño y el entretenimiento. La compañía dice que su color anual también influye en las decisiones de productos y compras en las industrias, desde gráficos hasta packagings y muebles para el hogar, pasando por el diseño de moda.

 

Ultra Violet. Color Pantone 2018.

Ultra Violet. Color Pantone 2018.

 

El tono elegido este año se dio a conocer esta semana y es Pantone 18-3838, también conocido como Ultra Violet. Elegido por su tono “provocativo” y “reflexivo”, dijo Pantone, el color alude a la tendencia creciente de bienestar y espiritualidad. Los colores derivados del azul, siempre han sido tonos relacionados con lo etéreo y lo intangible, debido a su casi no-existencia en el mundo natural que nos rodea, a excepción del azul que vemos en el cielo o en el mar, grandes masas del todo y la nada.

“Desde la exploración de nuevas tecnologías y galaxias, hasta la expresión artística y la reflexión espiritual, el intuitivo Ultra Violet ilumina el camino para lo que está por venir”, agregó la directora ejecutiva del Instituto de Color Pantone, Leatrice Eiseman.

Reemplaza el color Greenery del año pasado, que según Pantone fue elegido para demostrar esperanza durante tiempos turbulentos. Pasamos pues de la esperanza a la espiritualidad y la provocación, todo en uno. Sin duda Pantone vuelve a sorprender y a arriesgar con su propuesta cromática para el año venidero. Seguro que comenzamos a ver como todo se llena de violetas y azules intensos dentro de muy poco.

Desde Gráficas Azorín nos hacemos eco de esta propuesta de tendencia que cada año Pantone realiza, estableciendo la referencia sobre la que continuaremos trabajando durante el 2018. Os dejamos su presentación en el Instagram de la firma.

 

Minimalismo actual. MIN, la nuevas simplicidades como origen creativo

Hace ya mas de un año Stuart Trolley publicó el título del que hoy nos hacemos eco. MIN: The New Simplicity in Graphic Design es una propuesta que aborda y recoge una amplia selección de diseño gráfico contemporáneo minimalista. Este trabajo de Trolley parte de su revisión del origen del minimalismo en la década delos años 60, que exploraba la relación entre forma y función y revisa todos aquellos ensayos y entrevistas a las figuras más influyentes del diseño de ese momento como Made Thought o Jessica Svendsen.

 

Minimalismo actual. MIN, Stuart Trolley.

Minimalismo actual. MIN, Stuart Trolley.

 

MIN: La nueva simplicidad en el diseño gráfico marca el renacimiento de la sutil simplicidad y el espacio. En nuestra sociedad moderna donde el consumo excesivo se ha convertido en la norma, MIN: The New Simplicity en Graphic Design sirve como un respiro del surgimiento de híbridos culturales -una mezcla de culturas altas y bajas- y destaca cuántos diseñadores minimalistas de renombre internacional han utilizado el estilo simplificado para trabajar en una amplia gama de medios y formatos, y han tomado el diseño gráfico en direcciones simplificadas pero emocionantes.

 

Minimalismo actual. MIN, Stuart Trolley.

Minimalismo actual. MIN, Stuart Trolley.

 

De total actualidad, sirve de reactivo ante lo que venimos viviendo cada vez más bajo el influjo de los medios online e Internet, donde el capitalismo más veroz formula sus mecanismos de comunicación para que el consumo sea constante, en el que los formatos y las estrategias de la imagen se nutren a golpe de cuerpos serranos y composiciones llamativas.

 

Minimalismo actual. MIN, Stuart Trolley.

Minimalismo actual. MIN, Stuart Trolley.

 

Dividida en tres secciones: Reducción, Producción y Geometría, la publicación de 288 páginas presenta diseños de Warp, Ninja Tune, The Vinyl Factory  y muchos otros. Desde Gráficas Azorín, recuperamos esta obra del Diseño Gráfico Contemporáneo, nacida en 2016, porque pensamos que MIN: La nueva simplicidad en el diseño gráfico tiene una calidad inspiradora, que recoge un momento de la historia visual y la estética de nuestro tiempo y la vuelve a poner en valor, contrastando con las corrientes más agresivas de nuestro tiempo.

El fotógrafo de la imagen más vista, Charles O´Rear

Charles O’Rear es el fotógrafo que tomó Bliss, la imagen que se convirtió en el escritorio de cada ordenador del planeta con Windows XP. Miles de millones lo vieron y probablemente piensen que la foto es tan perfecta y colorida que está generada por computadora, o al menos terminada con Photoshop.

La imagen más vista del mundo, Bliss, de Charles O’Rear, usada como fondo de escritorio del Sistema Operativo Windows XP

El secreto de tal perfección era simplemente una colina perfecta en el momento perfecto del año con un cielo perfecto combinado con un poco de Fuji Film dentro de la legendaria cámara Mamiya RZ67 que se encuentra encima de un trípode. Sin retoques, ninguna computadora generó nada. Solo una foto increíble con una combinación de colores en su óptimo nivel. Seguramente si se hubiera hecho la foto con una SLR de 35 mm no habría sido la misma. Como detalle importante,  esta instantánea fue tomada en el Valle de Napa en California, Estados Unidos.

 

Obra del fotógrafo Charles O'Rear, titulada Bliss

Obra del fotógrafo Charles O’Rear, titulada Bliss

 

La composición, que deja ver colinas casi perfectas bajo un cielo prístino, se basó en una postal del fotógrafo estadounidense Charles O’Rear, colaborador insigne de National Geographic, quien hace 21 años, por encargo de la firma de diseño digital HighTurn, se dedicó a recorrer el valle en busca de la imagen perfecta para un “escritorio”.

El proyecto “New Angles of America” rescata parte de esta historia, del fotógrafo O’Rear, y de la búsqueda de nuevas imágenes icónicas para los dispositivos tecnológicos actuales, ahora pensadas para teléfonos móviles y soportes móviles como tablets o netbooks de dimensiones reducidas.

Fotografía aérea de Bernhard Lang: un punto de vista único

La fotografía aérea deBernhard Lang es toda una declaración de intenciones. Este autor alemán nació en 1970 en Crailsheim. Se formó en la década de los noventa en el prestigioso Photostudio Anker, un estudio de fotografía especializado en fotografía publicitaria, situado en Munich. Desde 2000 trabaja como fotógrafo independiente. Hasta el año 2010, se dedicaba principalmente a la fotografía publicitaria para clientes internacionales.

 

Fotografía aérea de Bernhard Lang.

Fotografía aérea de Bernhard Lang.

 

Fotografía aérea de Bernhard Lang. Uno de los objetivos clave de su proyecto es buscar y encontrar patrones y estructuras, que a veces parecen pinturas abstractas.

 

Desde 2010, trabaja principalmente en su proyecto Aerial Views. Él toma fotos aéreas de aviones pequeños y helicópteros. La primera serie de vistas aéreas que realizó fue en Baviera, cerca de Munich, donde vive. Este proyecto ha generado mucho interés, de un modo casi inmediato, por lo que continuó el proyecto de Aerial Views fotografiando numerosos escenarios desde arriba, en todo el mundo.

 

Fotografía aérea de Bernhard Lang.

Fotografía aérea de Bernhard Lang.

 

Para él, según se indica en la web del fotógrafo, las vistas aéreas muestran el mundo desde una perspectiva diferente e inusual. Uno de los objetivos clave de su proyecto es buscar y encontrar patrones y estructuras, que a veces parecen pinturas abstractas. Desde su vertiente más defensora de la naturaleza, su práctica también tiene un interés particular en la captura de imágenes que muestran el impacto de las actividades humanas en la naturaleza y el medio ambiente.

 

Fotografía aérea de Bernhard Lang. Parking Lot

Fotografía aérea de Bernhard Lang. Parking Lot

 

Existe una belleza formal o un orden agradable por un lado, y por el otro la transformación o destrucción de la naturaleza original. Mostrar este antagonismo es el pensamiento principal de su trabajo.

 

Fotografía aérea de Bernhard Lang.

Fotografía aérea de Bernhard Lang.

 

Nuestra mirada se ve atraída por las imágenes a vista de pájaro, su potencial cautivador nos abstraen de lo cotidiano. Nos muestra una visión de las cosas, un puto de vista al cual no estamos acostumbrados, y que se muestra en una suerte de interés innato. El acceso a una perspectiva que no es accesible a todos,  otorga a sus imágenes de una magia especial, casi hipnótica. Sus planteamientos formales también tienen la culpa, y es que no es solo subirse a un aeroplano y sacar unas cuantas fotos, la cuidada composición, la temperatura de color, los detalles de unas vistas trabajadas, para la obtención de unos resultados brillantes y completos.

Alfabeto ilustrado por Carlo Cadenas, experimentando con tipografía tridimensional

Alfabeto ilustrado o Illustrated Alphabet Project es el resultado de la experimentación de Carlo Cadenas para el desafío anual de Instagram “36 Days of Type 2016”. Carlos decidió utilizar el software 3D, exclusivamente, que ofrece la oportunidad de establecer letras y números en el espacio y la composición del entorno. Un camino abierto a una nueva linea de producir tipografías y expresiones gráficas, con un enfoque diferente a nivel creativo.

 

Alfabeto ilustrado o Illustrated Alphabet Project es el resultado de la experimentación de Carlo Cadenas para el desafío anual de Instagram “36 Days of Type 2016”.

 

Al establecer composiciones alternas de color, pudo delimitar varios parámetros y seguir el camino exploratorio de la forma, para dar vida a cada una de las letras y números. Cada forma muta, de la convención clásica, aportando un rasgo distintivo único en cada símbolo. Seleccionó cada material con un estudio previo para determinar su uso en las composiciones. La estrategia de iluminación y su esquema, aunque esta fuera virtual en el contexto de los gráficos 3D por ordeandor, fue determinante porque estableció la base de variantes que darían color a las composiciones visuales. El resultado es una tipografía experimental que ilustra cada letra a partir de las formas, las texturas, los colores y la iluminación, generando una brillante composición formal y de color.

 

Alfabeto ilustrado, por Carlo Cadenas

Alfabeto ilustrado, por Carlo Cadenas

 

Carlo Cadenas es un director de arte y diseñador gráfico venezolano, graduado por el Darias Design Institute, y graduado en publicidad por la Universidad Alejandro de Humboldt, ambos centros con sede en Caracas, Venezuela. Con más de 7 años de experiencia en el área visual, ha trabajado tanto en estudios de diseño como en agencias de publicidad como Tribal DDB Argentina, ZEABBDO Proximity y otros, tanto en Argentina como en Venezuela. Actualmente trabaja como director de arte independiente y diseñador gráfico.

 

Alfabeto ilustrado por Carlo Cadenas.

Alfabeto ilustrado por Carlo Cadenas.

 

Carlo Cadenas se describe a sí mismo como un apasionado de la tipografía, un entusiasta del diseño de carteles y un eterno defensor de Handcraft Design. Su obra de Tipografía Experimental ha recibido varios premios, como el prestigioso Type Directors Club Award y el Certificado de Excelencia Tipográfica, un Gold LAD Award y el Clap Award, entre otros.

 

 

Milton Glaser. Figura indispensable del Diseño Gráfico del siglo XX

Milton Glaser es uno de los diseñadores más importantes del siglo XX. Entre sus trabajos destacan el logotipo “I Love New York” o los carteles que realizó para músicos, como el de Bob Dylan en 1969.

Milton Glaser. Lototipo "I Love New York"
Milton Glaser es una de las principales figuras del Diseño Gráfico del siglo XX. Co-fundador de Pushpin Studios  en 1954 junto con Edward Sorel, Seymour Chwast y Reynold Ruffins, que se unión al grupo más tarde. Una fuerza revolucionaria en el campo del diseño gráfico, la famosa asociación comenzó cuando los cuatro se conocieron como estudiantes en Cooper Union en la ciudad de Nueva York. Lo que siguió fueron veinte años de expresión gráfica colaborativa, ya que Pushpin redefinió y expandió el sello del diseñador, el ilustrador y la cultura visual en general. Creó la reconocida revista New York Magazine junto con Clay Felker. Se asoció con Walter Bernard en WBMG, en donde rediseñó periódicos como The Washington PostLa Vanguardia y O’Globo.
Milton Glaser. Figura indispensable del diseño gráfico del siglo XX.

Milton Glaser. Figura indispensable del diseño gráfico del siglo XX.

Es uno de los referentes del Diseño Gráfico, neoyorquino de nacimiento, su carrera está ligada a la ciudad de la “Gran Manzana” para la que realizó uno de uno de sus trabajos más populares y relevantes, el logotipo “I love New York”, icono de la memoria colectiva del último siglo. Trabajó para revistas como Esquire, Paris Match o Village Voice. Además, ha diseñado más de 300 carteles y portadas de discos, entre los más relevantes, la composición que creó para Bob Dylan en 1967.

 

Milton Glaser. Cartel de Bob Dylan, 1969.

Milton Glaser es uno de los diseñadores de vanguardia que todo profesional de su gremio que se preste debe conocer. Para aquellos iniciados que todavía no sepan quien es, pero que ya se hayan inquietado tras conocer que el logo “I love New York” es obra suya, y quieran, ávidos por conocer más sobre este autor, y adentrarse en los dominios de este maestro de la imagen contemporánea, os dejamos el documental TO INFORM AND DELIGHT, donde repasa su experiencia vital y profesional. Sin duda un documento indispensable en las aulas de cualquier escuela de Artes Gráficas.  Desde Gráficas Azorín compartimos este documental esperando que lo disfruten con la misma intensidad que compartimos como profesionales de este medio.

Gutemberg, redescubriendo su figura y la invención de la imprenta en el siglo XXI. Nos apasiona nuestro trabajo!

La imprenta, uno de los grandes inventos de la humanidad que democratizó el saber y revolucionó la cultura. La historia dio un giro tras su invención, hizo posible la era de la reproducción masiva o lo que McLuhan denominó La era de la reproductivilidad”.

 

La imprenta y su invención en el canal Arte, redescubriendo la figura de Gutenber a través de una película documental.

Se le atribuye al orfebre alemán Johannes Gutenberg (Maguncia 1400 – 1468). Para resolver el misterio de este personaje indispensable para el ser humano, la cadena pública Arte lanza un documental para analizar su figura y tratar de dar respuesta a los grandes interrogantes que giran entorno a la invención de la imprenta.

 

La imprenta. Retrato de Johannes Gutenberg en el documental del canal Arte.

La imprenta. Retrato de Johannes Gutenberg en el documental del canal Arte.

 

La democratización del conocimiento vino de la mano de Johannes Gutenberg. El orfebre alemán al que se le atribuye la invención de la prensa de imprenta con tipos de móviles moderna, es una figura de la que, sin embargo, se sabe poco. Sin embargo, existe poca información sobre él y su figura. El documental del Canal Arte, dirigido por Marc Jampolsky, trata de arrojar luz, haciendo un viaje al pasado para re-descubrir este momento histórico.

Según se indica en el artículo publicado en graffica.net:

El documental, así, presenta testimonios de expertos combinados con una ficción histórica sobre quién podría haber sido Gutenberg, y cómo se habría relacionado con sus contemporáneos. Bajo algunos recursos gráficos e infográficos, ‘El enigma Gutenberg’ nos sitúa en la Maguncia del siglo XV, en la que conocemos de cerca al personaje, y su entorno. El punto de partida nos sitúa en el momento en que Gutenberg necesita financiación para su proyecto, y le acompañamos en esa búsqueda.

La imprenta. Representación de la invención de los tipos móviles.

La imprenta. Representación de la invención de los tipos móviles.

Entre otros datos curiosos, a través de este documental conoceremos la existencia de los donatos, los primeros manuales de gramática para aprender latín, y cómo su éxito dependió de cerca del crecimiento exponencial de las universidades. También veremos el proceso de cada uno de los tipos móviles y cómo se necesitaban cerca de 300 de cada letra (y 1000 en total) para que la técnica fuera suficientemente eficaz.

Desde Gráficas Azorín os invitamos a ver este documental, que sin duda muestra los orígenes de nuestra actividad profesional, la que amamos y por la que apostamos al 100%.

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