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Cartel del Festival de San Sebastián 2017, diseño del estudio donostiarra Husmee

El nuevo cartel del Festival de San Sebastián 2017 lo firma el estudio Husmee. Sin duda, uno de los festivales de cine más importantes a nivel internacional, se engalana de nuevo para su próxima edición. La renovación de la imagen gráfica de la Sección Oficial y el diseño del cartel ha sido ejecutado por el estudio Husmee.

 

El cartel del Festival de San Sebastián en su 65 edición lo firma el estudio husmee.

 

Cartel del Festival de San Sebastián 2017.

Cartel del Festival de San Sebastián 2017.

 

El estudio donostiarra ha sido elegido para llevar a cabo este rediseño para la 65 edición de este festival cuyo primer evento se celebró en el año 1953. La importancia de la cifra 65, se refuerza dentro de esta identidad visual, cuyo cartel está dividido en una retícula que origina 24 fotogramas, donde la historia narrada gira entorno al número 65. Al mismo tiempo los conceptos de corte y montaje quedan también reflejados en la composición del cartel, cuya imagen ha sido seleccionada de entre ocho propuestas de estudios y diseñadores invitados a elaborar la imagen del festival.

 

Bolsa para el Festival de San Sebastián 2017.

Bolsa para el Festival de San Sebastián 2017.

 

Este estudio, nacido en 2007, está especializado en imagen corporativa y diseño editorial. Encabezado por Alain Villastrigo y Ernesto Arnáez, estrena sede en Londres en este año en el que cumple una década de recorrido profesional en el ámbito del diseño.

 

Camiseta del Festival de San Sebastián 2017.

Camiseta del Festival de San Sebastián 2017.

 

Las aplicaciones diseñadas a partir de este genial concepto entorno al número 65 y al concepto de corte y montaje están cuidadósamente creadas para completar así la imágen visual y gráfica del evento, remarcando de nuevo la importancia de los procesos creativos y de diseño, de impresión y estampación, para crear la identidad visual de cualquier festival o entidad de este nivel.

En Gráficas Azorín amamos el diseño y el trabajo bien hecho. Nuestra enhorabuena al estudio Husmee por su propuesta para este icono de los festivales de cine internacionales.

 

Type Directors Club (TDC) selecciona las mejores tipografías 2017

Type Directors Club es la organización internacional cuya máxima es la excelencia en tipografía, tanto impresa como en pantalla. Dentro de todas las acciones que llevan a cabo, entre talleres, conferencias, exposiciones y debates, organizan dos concursos anuales. Esta organización, creada hace 65 años, acaba de publicar los ganadores del TDC Typeface Design 2017.

El jurado, compuesto por personalidades del diseño como Berton Hasebe, Brendán Murphy, Ksenya Samarskaya y Dr. alice Savoie, han dado a conocer las 15 prepuestas seleccionadas en esta nueva edición.

Los ganadores, incluidos en el Annual of the Type Directors Club, así como en las diferentes exposiciones que se llevarán a cabo en ciudades de todo el mundo, recorrerá Brasil, Estados Unidos, Canadá, China, Inglaterra, Francia, Alemania, Japón, Polonia, Rusia, Corea del Sur, Taiwán, Tailandia, Vietnam y España.

Los ganadores son:

Cristian Vargas, con su tipografía SALVAJE, diseñada para Type and Media, Royal Academy of Art, The Hague (NL).

 

Tipografía SALVAJE, diseñada por Cristian Vargas para la Royal Academy of Art, The Hague (NL).

Tipografía SALVAJE, diseñada por Cristian Vargas para la Royal Academy of Art, The Hague (NL).

 

Zhang Weimin, con su tipografía Lingering Fonts, diseñada para WESUN Culture Communication, Shenzhen, China.

 

Tipografía Lingering, diseñada por Zhang Weimin, para WESUN Culture Communication.

Tipografía Lingering, diseñada por Zhang Weimin, para WESUN Culture Communication.

 

Nordvest, diseñada por Nina Stössinger, para Monokrom Type Foundry, Oslo, Norway.

 

Nordvest, diseñada por Nina Stössinger, para Monokrom Type Foundry, Oslo, Norway.

Nordvest, diseñada por Nina Stössinger, para Monokrom Type Foundry, Oslo, Norway.

 

Kristyan Sarkis-Lebanon, Laura Meseguer y Juan Luis Blanco, con su tipografía Qandus, para Khatt Foundation.

 

Kristyan Sarkis-Lebanon, Laura Meseguer y Juan Luis Blanco, con su tipografía Qandus, para Khatt Foundation.

Kristyan Sarkis-Lebanon, Laura Meseguer y Juan Luis Blanco, con su tipografía Qandus, para Khatt Foundation.

 

Roxane Gataud, con su tipografía Bely, TypeTogether.

 

Tipografía Bely, Roxane Gataud.

Tipografía Bely, Roxane Gataud.

 

Lucas Sharp, con su tipografía Sharp Grotesk, Sharp Type Co.


 
Lucas Sharp, con su tipografía Sharp Grotesk, Sharp Type Co.

Lucas Sharp, con su tipografía Sharp Grotesk, Sharp Type Co.

 

Petra Sučić Roje, Zagreb, con su tipografía Eva.

 

Tipografía Eva, de Petra Petra Sučić Roje.

Tipografía Eva, de Petra Petra Sučić Roje.

 

La tipografía Pilot, diseñada por Aleksandra Samulenkova, Bold Monday.

 

Pilot, diseñada por Aleksandra Samulenkova, Bold Monday.

Pilot, diseñada por Aleksandra Samulenkova, Bold Monday.

 

Tipografía Graebenbach, diseñada por Wolfgang Schwärzler, Camelot Typefaces.

 

Tipografía Graebenbach, diseñada por Wolfgang Schwärzler, Camelot Typefaces.

Tipografía Graebenbach, diseñada por Wolfgang Schwärzler, Camelot Typefaces.


Borna Izadpanah, con su tipografía diseñada para Google Fonts, Laleza, una fuente Arabic y Latin.

 

Borna Izadpanah, con su tipografía diseñada para Google Fonts, Laleza, una fuente Arabic y Latin.

Borna Izadpanah, con su tipografía diseñada para Google Fonts, Laleza, una fuente Arabic y Latin.

 

Alessio D’Ellena, con su tipografía Laica, diseñada para TypeMedia Master Program at KABK Royal Academy of Arts, The Hague (NL).

 

Alessio D'Ellena, con su tipografía Laica, diseñada para TypeMedia Master Program at KABK Royal Academy of Arts, The Hague (NL).

Alessio D’Ellena, con su tipografía Laica, diseñada para TypeMedia Master Program at KABK Royal Academy of Arts, The Hague (NL).

 

La tipografía Rando, diseñada por Maurice Göldner, Camelot Typefaces.

 

La tipografía Rando, diseñada por Maurice Göldner, Camelot Typefaces.

La tipografía Rando, diseñada por Maurice Göldner, Camelot Typefaces.

 

Renault Carname, por Jean-Baptiste Levée, Production Type.

 

Renault Carname, por Jean-Baptiste Levée, Production Type.

Renault Carname, por Jean-Baptiste Levée, Production Type.

 

Stratos, diseñada por Yoann Minet, Produdction Type.

 

Stratos, diseñada por Yoann Minet, Produdction Type.

Stratos, diseñada por Yoann Minet, Produdction Type.

 

Sin duda una gran paleta tipográfica de la que no puede prescindir el diseño durante el 2017. Desde Gráficas Azorín, remarcamos la importancia de la tipografía y el diseño tipográfico.

Packaging para la marca de chocolate artesanal “Utopick”, de la mano de Lavernia y Cienfuegos

Packaging rediseñador para la marca de chocolate “Utopick”, donde Paco Llopis elabora sus creaciones en chocolates a partir de cacao de los paises hispanoamericanos.

Hacía tiempo que no hablábamos de packaging, de propuestas innovadoras en este ámbito, que tanto nos gusta y en el que somos especialistas. En este post remarcamos el gran trabajo de concepto y diseño llevado a cabo por Lavernia & Cienfuegos, uno de los estudios de diseño de nuestra comunidad, que sin duda está marcando un antes y un después en el contexto del diseño valenciano.

 

Packaging para chocolates Utopick, diseñado por Lavernia & Cienfuegos

Packaging para chocolates Utopick, diseñado por Lavernia & Cienfuegos

 

Según indica Emma Benadero en su artículo:

 

Cada tipo de chocolate tiene ahora su propio envoltorio, con pliegues superiores que forman dos triángulos cuyo color y textura está personalizado. Recrean rombos, estrellas, círculos, flores, rayas u otras formas geométricas sobre fondos de colores marrón, azul, amarillo o rosado pastel que transmiten suavidad y resultan apetecibles. El resto del envoltorio es blanco, y sobre él destaca el símbolo del barco y la información nutricional de la chocolatina. Comercializan originales recetas en forma de tableta, chocolates de origen, exquisitas delicias y ahora también puedes personalizar tu propio mensaje en una tableta. Su página web ya había sido renovada cuando Utopick abrió su establecimiento en el barrio de Ruzafa en Valencia y han optado por mantenerla como estaba.

 

Packaging para chocolates Utopick, diseñado por Lavernia & Cienfuegos

Packaging para chocolates Utopick, diseñado por Lavernia & Cienfuegos

 

En esta propuesta, se mimetizan la textura de la tableta de chocolate y la textura del envoltorio, usando la misma geometría con la que se construye la imagen corporativa de esta marca, el barquito de Utopick. Además, está concebido para que pueda abrirse y cerrarse, conservando el producto de forma sencilla, sin alterar sus propiedades ni las del envoltorio.

 

Utopick Chocolate  es un producto que nace de la unión del maestro chocolatero Paco Llopis y la artista y diseñadora Juana Rojas. Paco Llopis los define así: «Yo soy el responsable gastronómico mientras que Juana es quien se encarga de que todo lo que rodea a los chocolates sea tan apetitoso como el primer mordisco». Lavernia & Cienfuegos, es el estudio valenciano que ha llevado a cabo este proyecto.

La impresión potencia el retail y la decoración

La impresión es clave para diferenciar tu producto o servicio. Aumenta la petición de artículos y ambientes diferentes y personalizados, una demanda que la impresión digital y nuevos soportes puede satisfacer gracias a sus infinitas posibilidades creativas y ventajas económicas.

Impresión al servicio de tu negocio. ¿Tiendas “impresionantes”? ¿Interiores con efecto WOW? Actualmente es necesario generar experiencia y valor añadido en el punto de venta y en interiores a través de aplicaciones impresas.

Para crear una comunicación eficaz en el sector del retail, la estrategia de venta es clave, en esta estrategia las nuevas técnologías gráficas y los avances en cuanto a soportes de impresión que nos permiten personalizar todo tipo de objeto y producto, la decoración incluida, en cuanto a la imagen de establecimientos, esparates, showrooms y lugares de trabajo y oficinas, donde cada vez más la experiencia de marca es indispensable y se hace notar entre los consumidores y usuarios.

Impresión digital

La impresión digital hace realidad los proyectos más inverosímiles, bien sea con elementos corpóreos como iluminados que, aplicados al retail, la decoración de interiores y el sector de los eventos, produce momentos de máxima espectacularidad. Se multiplican las posibilidades en la forma, el tamaño, los efectos y los acabados, por lo que es imposible que el público o el cliente resten indiferentes en los espacios donde se aplique.

 

Impresión de diseño para montaje de escaparates.

Impresión de diseño para montaje de escaparates.

 

Paralelamente, la tecnología gráfica digital abre nuevas vías de negocio para el comercio minorista que puede ver aumentado un 30% sus beneficios si incorpora la personalización instantánea en el punto de venta y ofrecer a sus clientes la experiencia de diseñar sus propios productos y la posibilidad de llevárselos en el acto.

Impresión 3D

La impresión 3D implica grandes posibilidades creativas para el mundo del retail a la hora de crear proyectos llamativos: desde displays promocionales iluminados a decoraciones de interior, pasando por atractivos expositores de PLV, entre otras aplicaciones. El retail con impresión 3D conseguirá una comunicación visual atractiva y de valor añadido para el cliente. Como ejemplo, la primera tienda temporal de Louis Vuitton en el mundo, inaugurada el pasado diciembre en Sydney, fue creada con tecnología 3D.

 

Impresión 3D de prototipo de sandalia.

Impresión 3D de prototipo de sandalia.

 

 

Diferentes materiales, soportes y formatos

Hoy se puede imprimir todo tipo de imágenes, nombres y logos, en diferentes artículos, soportes y materiales rígidos o flexibles, desde la cerámica, papel, metacrilato o madera hasta vinilos y telas, conservando la textura, los colores y los relieves de la imagen original. César Sabaté destaca dos tendencias en auge en este apartado para 2017: la impresión de alfombras vinílicas y la impresión sobre madera: “en Sabaté Barcelona imprimimos cabeceros de camas y cuadros sobre madera. Es una técnica que gusta y da mucho juego creativo. En cuanto al material sintético de la alfombra, también permite la personalización con la ventaja de ser un soporte antideslizante y libre de bacterias”.

 

Impresión de rótulos y señalética para tiendas.

Impresión de rótulos y señalética para tiendas.

 

 

En Gráficas Azorín te asesoramos en los sistemas de impresión y montaje que mejor se adapten a las necesidades de tu tienda o negocio. Nuestro equipo de profesionales te acompañará en todo el proceso de producción de las piezas necesarias para hacer que tu establecimiento destaque del resto de competidores.

David Carson, innovación y experimentación tipográfica

David Carson (nacido el 8 de septiembre de 1955) es un diseñador gráfico estadounidense, director de arte y surfista. Conocido por su innovador diseño de revistas, además  del uso de la tipografía experimental. Fue el director de arte de la revista Ray Gun, en la que empleó gran parte del estilo tipográfico y de diseño por el que es conocido. En particular, su estética ampliamente imitada definió la llamada “era de la tipografía del grunge”.

 

Carson, durante los 80 comenzó a desarrollar su estilo de firma, utilizando técnicas “sucias” y técnicas fotográficas no convencionales

Carson se convirtió en el director artístico de la revista Transworld Skateboarding en 1984, y permaneció allí hasta 1988, ayudando a dar a la revista un aspecto distintivo. Al final de su mandato allí había comenzado a desarrollar su estilo de firma, utilizando técnicas “sucias” y técnicas fotográficas no convencionales.También fue el director de arte de una revista spin-off, Transworld Snowboarding, que comenzó a publicar en 1987.

 

Diseños de David Carson

Diseños de David Carson

 

Steve y Debbee Pezman, editores de la revista Surfer (y más tarde Surfers Journal) aprovecharon a Carson para diseñar Beach Culture, una publicación trimestral que evolucionó a partir de un suplemento anual para el comercio. Aunque sólo se produjeron seis números trimestrales, editado por el autor Neil Fineman, permitió a Carson hacer su primer impacto significativo en el mundo del diseño gráfico y la tipografía, con ideas que fueron llamadas innovadoras incluso por aquellos que no eran precisamente afectivos con su obra. Carson diseñó la revista Surfer y diseñó el arte durante los siguientes dos años, antes de comenzar Ray Gun Magazine. Carson entonces reubicó su estudio a New York, donde todavía trabaja hoy.

 

David Carson para Ray Gun

David Carson para Ray Gun

 

En 1995, Carson dejó Ray Gun para fundar su propio estudio, David Carson Design, en la ciudad de Nueva York. Comenzó a atraer a clientes importantes de todo Estados Unidos. Durante los próximos tres años (1995-1998), Carson estaba trabajando para Pepsi Cola, Ray Ban (proyecto orbes), Nike, Microsoft, Budweiser, Giorgio Armani, NBC, American Airlines y Levi Strauss Jeans, y más tarde trabajó para una variedad de nuevos clientes, incluyendo AT & T Corporation, British Airways, Kodak, Lycra, Packard Bell, Sony, Suzuki, Toyota, Warner Bros., CNN, Cuervo Gold, Johnson AIDS Foundation, MTV Global, Prince, Quiksilver, Intel, Mercedes-Benz, MGM Studios y Nine Inch Nails.

 

Diseño tipográfico David Carson

Diseño tipográfico David Carson

 

En 2004, Carson se convirtió en el director creativo freelance del museo de Gibbes del Arte en Charleston. Ese año, también diseñó la edición especial “Exploration” de Surfing Magazine y dirigió una variedad de anuncios para televisión, incluyendo Lucent Technologies, Budweiser, American Airlines, Xerox, UMPQUA Bank y muchos otros.

En 2011 Carson trabajó como director creativo mundial para Bose Corporation. También fue Director de Diseño para el concurso Quiksilver Pro Surfing 2011 en Biarritz, Francia, y diseñó la marca para el Quiksilver Pro 2012 en Nueva York. Destacamos el conjunto de tres carteles que diseñó para el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y las portadas de Huck, Little White Lies y Monster Children. Carson fue invitado como miembro del jurado de los Premios Europeos de Diseño en Londres (DD + A) en 2010 y 2011 y fue el orador principal de la conferencia de la marca Fuse en Chicago en 2014 y el festival internacional de la creatividad en Dubai en 2015.

 

Sin duda una de las figuras más destacadas del diseño contemporáneo. Necesario seguirle si quieres estar al día en el ámbito de la creatividad del nuevo siglo. A continuación os dejamos una de sus intervenciones en los TED Talks.

 

David Carson: Design, discovery and humor

Panoptik, fotopoesía en estado puro

Ayer, 6 de Julio, se presento en el CCCB el libro de fotopoesía Panoptik, con poemas de Antonina Canyelles. La obra surge como conexión de imágenes literarias y fotográficas, para hacer instantáneas de nuestro tiempo.

 

Laura Cantarella

Laura Cantarella

 

En el marco de la exposición «Fenómeno Fotolibro», la poeta mallorquina Antonina Canyelles y el fotógrafo Daniel Riera presentan en el CCCB la publicación de fotopoesia Panoptik, un libro que muestra el diálogo entre la obra de la mallorquina y las imágenes de 21 fotógrafos de renombre.

 

María Espeus

María Espeus

 

Antonina Canyelles no deja indiferente a nadie. Su impacto se aleja de grandes barroquismos, para conmovernos y emocionarnos a la par que arrancarnos una sonrisa. Esta obra, una de las experiencias gráficas y literarias más apetecibles en la actualidad ha sido posible gracias a la cuidadosa selección de poemas y fotos de Espe Codina, junto con el diseño de Rosa Lladó y la colaboración de Lapislázuli Editorial. Como apuntan  en la reseña de graffica.info:

 

Hay fotos que son escrituras de claroscuro y textos que fotografían el alma.

 

Txema Yeste

Txema Yeste

 

El tratamiento del diseño y la composición son impecables, además de la impresión refinada y conseguida, calidad de impresión necesaria cuando hablamos de un producto editorial de este nivel, además dentro del campo de la fotografía.

Sin duda una obra para degustar durante el periodo estival, para estar al día de las últimas tendencias en el sector editorial, la fotografía y la poesía.

SAGMEISTER, LA TIPOGRAFÍA HECHA OBJETO

Esta semana continuamos con nuestra sección de grandes diseñadores, en este caso Estefan Sagmeister. Nacido en Bregenz, Austria, el 6 de agosto de 1962,  es un diseñador gráfico y director de arte austriaco. Fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York.

 

Diseño tipográfico. Sagmeister & Walsh

Diseño tipográfico. Sagmeister & Walsh

 

Sagmeister, la tipografía ocupa el espacio físico y se convierte en intervención.

Este diseñador y artista, creó gran controversia con el diseño del carel para la conferencia de AIGA, cuando fue invitado a realizar el cartel para la conferencia del “American Institute of Graphic Arts” (AIGA) en 1999, en el campus de Cranbrook, cerca de Detroit. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look.

 

Stefan Sagmeister

Stefan Sagmeister

 

Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca Fulbright para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Y hasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majority (La verdadera mayoría), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak.

 

Uno de nuestros objetivos es lograr que en este país se reduzcan los gastos militares en 15% y que ese dinero se invierta en educación.

 

Sus diseños tipográficos salen de la pantalla del ordenador y la mesa de diseño, ocupando el espacio físico real, trabajando los objetos y las materias del entorno para crear diseños que potencian lo visual y lo textual, a modo de intervención en el espacio.

 

Imagen corporativa Sagmeister & Walsh

Imagen corporativa Sagmeister & Walsh

 

Actualmente comparte trayectoria con Jessica Walsh, figura inquietante del diseño actual que retomaremos en próximos posts. Desde su agencia Segmeister & Walsh, y desde su web donde podemos ver en tiempo real al equipo trabajando en el estudio, volvieron a crear controversia cuando para lanzar su nueva identidad en 2016 decidieron desnudar a todo el equipo e integrantes del estudio. Sin duda una estrategia que sirvió de reclamo de manera totalmente efectiva.

 

ARTESANÍA OFFSET PARA LAS PORTADAS DEL 70 FESTIVAL DE CANNES.

Artesanía offset para el 70 aniversario del Festival de Cannes

Esta semana remarcamos el trabajo llevado a cabo para el diseño de las portadas del 70 Festival de Cannes, sin duda un ejemplo total de las posibilidades creativas que junto con la práxis artesanal de los maestros de impresión offset, da lugar a unos resultados de calidad tanto en diseño como en impresión que no podemos dejar de difundir.

 

Se trata en este caso de 34.000 portadas diferentes, resultado del proceso de experimentación de Philippe Savoir, realizado in situ en el tren de impresión offset, con un proceso artesanal explicado a la perfección en el artítulo publicado en graffica.info por Miguel Ángel de Greiff :

 

Portadas para el 70 aniversario del Festival de Cannes

Portadas para el 70 aniversario del Festival de Cannes

 

 

El reto era conseguir una impresión aleatoria a gran escala en una prensa de offset para obtener portadas únicas. Para lograrlo, el equipo de la imprenta incorporó manualmente mezclas de colores en los tinteros de la máquina, que al rotar mezclaron los diferentes tonos según la posición y la cantidad en la que se vertieron. El proceso puede parecer sencillo, pero requirió un gran trabajo de pruebas a pequeña y gran escala con diferentes combinaciones y proporciones de color.

 

A partir de esta idea y proceso, el resultado han sido una producción en la que cada pieza es individual y única, presentando un degradado en los mismos tonos pero con sutiles variaciones, luego se le añadió un golpe seco con motivo del 70 aniversario del festival, una pieza única y exclusiva, llena de pequeños recursos que configuran un trabajo especial para una conmemoración de este nivel.

 

 

Proceso de experimentación con degradados directamente en el tintero de la máquina offsest.

Proceso de experimentación con degradados directamente en el tintero de la máquina offsest.

 

 

A parte del acabado estético de este proyecto, pone de manifiesto las innumerables posibilidades de los métodos de producción y en concreto de la impresión offset, que pueden ofrecernos unos valores añadidos a cualquier diseño, fuera de los métodos de producción a través del diseño asistido por ordenador, que de algún modo aíslan el proceso de diseño y el de impresión.  Para esto, quizá sea necesario separarnos de la pantalla y volver a conocer, estudiar, aprender y rodearnos de las técnicas de impresión, acabados y materiales que sin duda van a aportar algo más al diseño de pantalla al que cada vez estamos más acostumbrados.

 

En Gráficas Azorín contamos con un equipo de profesionales para asesorarte en todas estas posibilidades técnicas de los procesos de impresión, para saltar del diseño de la pantalla al diseño creado en la sala de máquinas.

SERIGRAFÍA, LA TÉCNICA DE IMPRESIÓN QUE ESTÁ DE MODA

La serigrafía es una técnica de estampación milenaria, sus orígenes se cree que se remontan a la antigua China, en la que según una leyenda utilizaban cabellos de mujer entrelazados a los que les pegaban papeles, creando formas y dibujos que luego se lacaban para que quedaran impermeables.Más adelante el material fue sustituido por la seda, de ahí proviene su nombre: sericum (seda, en latín) graphe (escribir, en griego).


Las primeras serigrafías sobre papel (carteles publicitarios) aparecen en Estados Unidos sobre 1916. La primera patente concedida es para Selectasine en 1918. Guy Maccoy fue el primero en utilizar la técnica de la serigrafía con fines artísticos. Realizó sus dos primeras serigrafías en 1932; ambas eran alrededor de 9 x 11 pulgadas y tiró aproximadamente 40 copias de cada diseño. En 1938 tuvo su primera exposición individual, la primera de serigrafías en una galería.

 

Es en Estados Unidos, y con el auge de la fotografía y los productos químicos, donde toma un impulso espectacular; por ser un método muy versátil para poder imprimir en muchos materiales, hoy en día pueden distinguirse miles de artículos procesados con serigrafía.

 

Eusebio Sempere, el artista alicantino que introdujo la serigrafía en el contexto del arte contemporáneo español.

Ya con el surgimiento del Pop Art, artistas como Andy Warhol utilizaron esta técnica para poner de manifiesto el poder de la reproductibilidad de las imágenes a través de fotolitos isolados a las planchas serigráficas, un bastidor con la superficie de seda acrílica que sustituye a la original seda de sus orígenes, sobre la que una emulsión fotosensible recoge el registro fotográfico o gráfico en escala de grises del fotolito.

 

Warhol serigrafiando en su taller THE FACTORY.

Warhol serigrafiando en su taller THE FACTORY.

 

Serigrafía de Andy Warhol. Elvis.

Serigrafía de Andy Warhol. Elvis.

 

En 2014 se presentaron las impresoras SC330, capaz de imprimir con barniz o color en serigrafía plana de alta calidad en materiales flexibles. Con una superficie de impresión de 3,30 metros x 3 metros aproximadamente. Esta impresora plantea una alternativa económica a la impersión en rotativa, para tiradas cortas. La otra de las innovaciones para serigrafía en plano fue promovida el mismo año por Flexowash, se trató de la PK Flat Screen Cleaner, se trata de una lavadora de plantallas serigráficas de fácil uso, que además solo tarda 15-20 minutos en realizar la limpieza completa de una pantalla, trabajo tedioso que habitualmente se realizaba en laboratorio, con diferentes químicos para eliminar la emulsión fotosensible sobre la lámina de tejido en bastidor, que requería del uso de compresores Karcher para poder eliminar por completo la superficie emulsionada.

 

Además de las figuras del arte y el diseño internacionales que promovieron la técnica serigráfica dentro del contexto de la creación contemporánea, debemos sentirnos orgullosos de contar con la figura del alicantino Eusebio Sempere, uno de los impulsores de esta técnica orientada a la práctica artística, que además fue tema de la exposición del Centro del Carmen en Valencia el año pasado, titulada: Eusebio Sempere: el hombre que presentó la serigrafía a la producción artística, donde la comisaría de la muestra, Rosa Castells, explicó:

 

“Sempere y Abel Martín introdujeron en España la aplicación de la serigrafía en el arte. Tras ellos muchos artistas contemporáneos se sumaron a esta labor. Siendo un homenaje a Sempere esta exposición sirve también para poner en valor el trabajo de Abel Martín, el mejor estampador de la época. Estampó la obra de todos los artistas del momento”

 

Círculo y semicírculo partido, 1984. Eusebio Sempere

Círculo y semicírculo partido, 1984. Eusebio Sempere

 

 

La figura del estampador Abel Martín también pone de manifiesto la trayectoria de esta técnica de estampación grafico-plástica en nuestro país. Os dejamos a continuación un vídeo de una entrevista al artista de Onil, Eusebio Sempere, figura del arte contemporáneo español que abordaremos en nuestros siguientes posts.

 

 

Además recordaros que en Gráficas Azorín te asesoramos para la elección del sistema de impresión que más se adecúe a tus necesidades y materiales impresos, cuenta con la visión profesional de los maestros impresores de la provincia de Alicante.

MICHAEL BIERUT, FIGURA DEL DISEÑO INTERNACIONAL. DESCUBRE MÁS SOBRE ÉL

Esta semana continuamos con nuestra serie de figuras de peso dentro del diseño internacional, en esta ocasión hablamos de Michael Bierut.

Michael Bierut, un genio del diseño contemporáneo.

Michael Bierut estudió diseño gráfico en el Colegio de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cincinnati, graduándose summa cum laude en 1980. Antes de unirse a Pentagram en 1990 como socio en la oficina de Nueva York, trabajó durante diez años en Vignelli Associates, en última instancia como vicepresidente de diseño gráfico.

 

MICHAEL BIERUT

MICHAEL BIERUT

 

Algunos de sus proyectos más importantes en el contexto de la identidad y el branding  han sido para Benetton, el Consejo de Diseñadores de Moda de América, Verizon, MIT Media Lab y los New York Jets, pasando por Gráficos ambientales y señalización para The New York Times, la Academia de Música de Brooklyn, la Fundación Robin Hood y la Walt Disney Company entre otros.
Ha ganado cientos de premios de diseño y su trabajo está representado en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno (MoMA), el Museo Metropolitano de Arte, y el Cooper-Hewitt.

 

Ha sido presidente de la Sección de Nueva York del Instituto Americano de Artes Gráficas (AIGA) de 1988 a 1990 y es presidente emérito de AIGA. Uno de los grandes directores de arte de la escena actual. Su trabajo, no ha sido llegar y besar el santo, horas de dedicación en la búsqueda de las soluciones más apropiadas dependiendo de las necesidades y ambiciones de cada proyecto.

 

Os dejamos con una de sus últimas charlas TED Talk que sin duda no nos dejan sentados sino que nos incitan a continuar en la senda de la creación y el diseño de calidad, concluyendo en su correcta impresión para que todo buen diseño tenga un final feliz. Además, también tiene publicados una colección de sus ensayos “Setenta y nueve Ensayos Cortos sobre Diseño” que fue publicado por Princeton Architectural Press en 2007, y su monografía “How To” que fue publicada por Thames & Hudson y Harper Design en 2015. Sin duda otro genio del diseño.