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Tipos de formato utilizados en diseño gráfico: características y necesidades

En nuestro último post hablamos de los tipos de imágenes en formato digital  y dejamos claras las diferencias entre las imágenes en mapa de bits y las imágenes vectoriales. Hoy, vamos a hablar de los tipos de formatos utilizados en diseño gráfico y resolveremos las dudas sobre en qué tipo de formato has de guardar tus trabajos.

Tipos de formato utilizados en diseño gráfico

Los tipos de formato en diseño gráfico más comunes actualmente nos permiten elegir entre muchas opciones que afectan a su calidad y peso, creando diferentes funcionalidades para suplir cualquier necesidad de tus diseños. Te mostramos unos cuantos:

 

Joint Photographic Experts Group o JPEG

Con total seguridad has oído hablar de él porque se trata del archivo de mapa de bits más utilizado entre los formatos de imagen. Sus características de compresión lo hacen un archivo muy ligero y que apenas ocupa espacio. Todo esto a costa de su calidad, aunque puede ser elegida al momento de guardar para adaptarse a nuestras necesidades. Muy común en el ámbito de impresión y es el formato indicado para utilizar en internet.

 

Windows Bitmap o BMP

Formato propio del programa Paint. Un formato de mapa de bits que viene instalado de serie por el sistema operativo. Ofrece buenas calidades de imagen, pero ocupan una significativa cantidad de espacio en el disco. Es poco útil para internet.

 

Graphics interchange formato o GIF

Otro archivo con formato en mapa de bits y bastante antiguo. Soporta únicamente 256 colores, lo que significa una perdida de calidad en imágenes que posean un mayor número de colores. Lo verdaderamente importante de este formato es que admite animación, o lo que es lo mismo, imágenes en movimiento. Su uso es continuado actualmente porque casi todas las plataformas y navegadores son capaces de mostrar estas animaciones sin ayuda de softwares externos. Posee además un formato de compresión propio, el LZW, lo que le permite comprimirse sin tener perdidas en la calidad.

 

Portable Network Graphics o PNG

El PNG surgió como respuesta a la poca calidad de las imágenes en formato GIF. Es capaz de utilizar   canales RGB, lo que permite su modificación en programas de edición. Otra característica es que admite fondos transparentes que permiten el uso de siluetas y objetos con transparencias. Posee mucha más calidad que el GIF ya que no tiene la limitación de los 256 colores y se comporta como un JPEG con la diferencia de que el PNG no tiene perdida de calidad por compresión.

 

RAW

También conocido como “en crudo” o “en bruto”, este formato en mapa de bits se crea del archivo original de la cámara fotográfica que realizó la captura sin ninguna compresión. Su tamaño es enorme pero también lo es su calidad por la gran cantidad de información que posee. Este formato es el ideal para trabajar en programas de edición de imágenes.

 

Tagged Image File Format o TIFF

Formato bastante habitual en el mundo de la impresión de calidad. Es un archivo en mapa de bits que no pierde calidad por las mismas razones que el GIF: tiene un tipo de compresión basado en el LZW. Con este formato las imágenes no se estropean al guardarlas una y otra vez pero su peso es significativamente mayor.

 

Encapsuled PostScript o EPS

Archivo de imagen vectorial muy utilizada en programas como Illustrator. Muy utilizada en impresión ya que no tiene problemas de resolución y puede imprimirse en todo tipo de tamaños. Requiere de un software específico para poder abrir los archivos, por lo que un ordenador normal no es capaz de leer este formato. También puede abrirse en programas como Photoshop y convertir los archivos vectoriales en mapas de bits, con sus limitaciones de calidad.

 

Scalable Vector Graphics o SVG

El SVG es el único formato digital en archivo vectorial capaz de ser interpretado por los navegadores. Se trata de una apuesta por el diseño gráfico en páginas web con ilustraciones vectoriales sin pérdida de calidad. Es una gran ventaja frente a las imágenes de mapas de bits ya que podremos usar las imágenes SVG en nuestros proyectos con la libre posibilidad de modificar el tamaño.

 

*La imagen destacada ha sido tomada de: Waarket

Diseño gráfico e impresión: imágenes en formato digital

En el mundo del diseño gráfico donde la calidad de las imágenes cuenta y mucho, es importante conocer que tipos de imágenes en formato digital se utilizan y cuales son las propiedades que las conforman. Enviar un diseño a impresión sin tener en cuenta el tipo de imagen con el que has trabajado puede costarte algunos quebraderos de cabeza por obtener un resultado con baja calidad. En Gráficas Azorín entendemos de este tipo de problemas y es por ello que queremos ayudarte. Si deseas saber las diferencias de los tipos de imagen, no te puedes perder este artículo.

 

Lo primero que hay que tener en cuenta es que existen dos tipos de imágenes en formato digital: las que están conformadas por mapas de bits y las que están conformadas por vectores.

 

En las imágenes basadas en mapas de bits, toda la información está distribuida en pequeños rectángulos de colores  llamados píxeles que al unirse en tamaños determinados forman las imágenes visibles. Cualquier ordenador es capaz de leer está información y generar una imagen para el usuario.

Por el contrario, en las imágenes basadas en vectores son las relaciones geométricas las que conforman dicha imagen y se requiere un tipo de software específico para poder interpretarlas como puede ser el Adobe Illustrator, Adobe Indsign, etc. Una de las diferencias más importantes entre un mapa de bits y una imagen vectorial es que la primera tiene un tamaño concreto y ampliarla significaría una pérdida de calidad y resolución tal como para poderse ver los diferentes píxeles. Frente a esto, la imagen vectorial puede ampliarse o reducirse tanto como queramos. Es posible, a su vez, modificar una imagen vectorial para convertirse en una imagen de mapa de bits pero por el mismo proceso de conversión pierde sus propiedades.

 

A la hora de imprimir, ¿qué tipo de imagen es preferible?

Respuesta: depende de lo que se desee imprimir.

 

Si lo que necesitas imprimir es una fotografía, un dibujo con los elementos que lo componen como sombreados, iluminaciones, etc… el más efectivo es el mapa de bits. Este tipo de imágenes son las que se usan para páginas web y todo ordenador básico debe ser capaz de leer la información. Se puede utilizar también en cualquier trabajo gráfico, sin embargo, si se desea una gran impresión es necesaria una imagen muy grande para evitar la pérdida de calidad.

 

imprenta elda

 

Si por el contrario, tu trabajo está enfocado al ámbito laboral, vas a necesitar que la calidad sea máxima ya que generalmente se utilizan medidas más grandes. Para estos casos las imágenes vectoriales vienen de perlas para grandes soportes y diseño de logotipos que requieran de herramientas específicas que permitan modificar las relaciones geométricas que conforman las imágenes sin dañar la calidad.

El diseño gráfico y la influencia de los movimientos artísticos

El mundo del diseño está en constante cambio y rediseñándose día a día. Sin embargo, todo buen diseñador debe conocer los movimientos artísticos que les preceden y que han influenciado a tantos pintores, diseñadores, artistas e incluso músicos para crear sus propias obras y diseños. El vasto mundo de la creación artística ha tenido y tiene impacto en la sociedad y es importante conocer la influencia de estos movimientos artísticos en el diseño gráfico con el fin de darle mayor riqueza a tus creaciones. Por ello, te mostramos algunos de los movimientos artísticos que deberías conocer si deseas trabajar en este sector.

 

Impresionismo

El arte impresionista nació en la Francia de finales del siglo XIX con el objetivo de rechazar la exaltación tradicional de temas históricos o mitológicos y que se decantaba por establecer un foco en los elementos de la realidad tratando de capturar la particular visión de cada artista de como la luz incidía sobre los colores y la textura de la imagen de manera subjetiva.

Siega de trigo – Darío de Regoyos

 

Cubismo

Nacido en Francia y desarrollado a inicios del siglo XX, este movimiento se caracteriza por la desaparición de la perspectiva tradicional ya que representa a la naturaleza a través de figuras geométricas, rompiendo moldes y superficies. Los detalles se suprimen y se elimina la profundidad con el objetivo de adoptar la “perspectiva múltiple”, es decir, la representación de todas las partes de un objeto en un mismo plano.

 

La mujer que llora – Pablo Picasso

 

Surrealismo

Como su predecesor en esta lista, se desarrolló en Francia un poco más tarde a principios del siglo XX. Su nombre en francés significa “por encima o sobre el realismo”. Lo cierto es que esta corriente es difícil de explicar por su enorme amplitud de significados subjetivos ya que se representa el inconsciente, los sueños, el ser humano, la metamorfosis y elementos incongruentes entre otros. El objetivo del surrealismo es transmitir emociones a través de imágenes.

La persistencia de la memoria – Salvador Dalí

 

Minimalismo

El término “minimal” fue utilizado por primera vez en 1965 y marcó una tendencia en la que el diseño y las artes visuales reducen a lo esencial las características de cada objeto representado. Como su propio nombre indica, utiliza lo mínimo atendiendo a los términos de color, superficie y formato.

 

 

Minimalismo

Bilbao, lugar del segundo congreso de diseño gráfico

Es innegable el decir que actualmente el diseño gráfico tiene un rol importante en la sociedad. Se nutre de los valores al mismo tiempo que influyen en ellos, creando un vínculo que tiene poder para moldear la sociedad e insuflarle un carácter que se aleja de su contenido comercial. Es por ello que los diseñadores están reconstruyendo su identidad, creando una personalidad que posee la conciencia y sensibilidad necesaria para impulsar la sostenibilidad social y tratar de crear un mundo mejor. Ese es el objetivo del Segundo Congreso de Diseño Gráfico.

 

Durante los días 27, 28 y 29 de junio de 2018 se celebrará el 2º Congreso de Diseño Gráfico en el edificio Bizkaia Aretoa UPV/EHU, Bilbao. Este edificio encaja perfectamente con el carácter del congreso por su diseño y elegancia. En él se organizarán diferentes actividades en torno al sector del diseño gráfico donde se expondrán diferentes áreas temáticas específicas para la sostenibilidad social con el objetivo de mejorar las capacidades profesionales, debatiendo, contrastando y creando modos de pensar para motivar el acceso a la profesión y compartir ideas que impulsen la cultura del diseño gráfico con un compromiso con la sociedad.

 

Las actividades tendrán un eje común: el diseño con pensamiento social. Por ello, algunas de las temáticas que se tratarán son las siguientes:

  • Diseño inclusivo
  • Ética y responsabilidad social en el diseño gráfico
  • Perspectiva de género en el diseño gráfico
  • Diseño gráfico y emprendimiento social
  • Responsabilidad del diseño en la publicidad
  • Impacto medioambiental de los materiales y proceso en el diseño gráfico

El congreso que organiza UPV/EHUko Uda Ikastaroak tendrá como directores a Eduardo Herrera Fernández y Leire Fernández Iñurritegui, Profesores Doctores en Diseño de la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU y codirectores de Letraz Grupo de Investigación en Diseño Gráfico y Tipografía.

 

Para saber más:

Link a la página de los organizadores: https://www.uik.eus/es

Link a la página del evento: https://www.congresodedisenografico.es/Congreso.html#presentacion

 

 

 

Realización de soportes de impresión 3D

La impresión tridimensional ha supuesto una revolución que permite crear objetos sólidos modelados previamente por ordenador. Este sistema de impresión ofrece muchas soluciones  a graves problemas en diversos campos de la ciencia y la tecnología, acelerando y abaratando procesos que antes necesitaban de meses con grandes costos en modificaciones si era necesario realizarlas. Ahora bien, también es una tecnología en desarrollo que tiene que perfeccionarse y corregir algunos de los errores con el fin de servir como un referente de producción realmente optimizado. Uno de los problemas que supone la creación de estructuras en tres dimensiones es la realización de soportes de impresión 3D.

Consejos para la realización de soportes de impresión 3D

Una estructura de soporte cumple la función de formar las primeras capas en el aire además de soportar toda la creación para que no se desmorone y que se obtenga una pieza de calidad. Esto es más importante de lo que parece ya que, si no se cumplen los requisitos para su creación y establecimiento, pueden generar que la pieza se combe o se fracture, haciéndonos perder todo el proceso. Otro aspecto de las estructuras de soporte es la posibilidad de que estas marquen a la pieza al retirarse y es por ello que es necesario reducir al máximo el contacto entre la pieza y el soporte.

Estos soportes pueden añadirse antes o después del proceso de modelado, sin embargo, el colocarlos después favorece únicamente a la geometría de la pieza y no su funcionalidad. Al realizarlo de este modo, es muy probable que el resultado final sea a un nivel visual perfecto pero a un nivel funcional poco fiable debido a las condiciones en las que se ha construido. Sin los soportes, la estructura debe soportar por si misma todo el peso de la pieza y por lo tanto, empeorar sus condiciones físicas de funcionamiento.

Lo óptimo sería realizar creaciones tridimensionales que no necesitan de soportes pero, ¿es esto posible?

Actualmente no se ha encontrado una solución milagrosa que permita construir sin soportes, sin embargo, si que existen soluciones menores que contribuyen a la creación de piezas que utilicen el mínimo número de soportes posibles.

1. Diseño de estructuras autosustentadas.

Este tipo de diseño ofrece un mínimo de soportes que mantienen la pieza sustentada en soportes basados en el punto de gravedad. Esto permite crear piezas sólidas con el riesgo mínimo de fractura.

2. Soportes conectados a una lengüeta sacrificable.

Las piezas que se vayan a desarrollar estarán diseñadas para tener pequeñas lengüetas que, unidas a los soportes, mantendrán la estructura de forma óptima. Una vez acabado el diseño, estas lengüetas se retiran, obteniendo una pieza de calidad.

La función social del diseño gráfico

Actualmente, la producción de comunicaciones visuales consiste esencialmente en elementos publicitarios. Sin embargo, hay que diferenciar la publicidad del diseño gráfico pues este bebe de las corrientes sociales de las diferentes sociedades del mundo, estructurándose a sí misma en un cambio constante de manera autónoma y diversificada. La función social del diseño gráfico es la que permite transmitir mensajes visuales que la sociedad interpreta y altera su punto de vista, deconstruyendo y reconstruyendo en favor de la evolución de la propia sociedad. Es decir, el diseño gráfico sirve como difusor de la realidad social predominante aunque también puede servir de voz para las formas de pensamiento minoristas o excluidas.

 

Los diseñadores publicitarios obedecen primeramente a las exigencias de lo que deben publicitar (un producto o servicio) pero tras esto, el ingenio y la creatividad del propio diseñador es el que marca el estilo que la sociedad aceptará o rechazará pero que, ante todo, interpretará. La publicidad se presenta como un transporte para el mensaje pero es el propio mensaje el que es capaz de llegar a las personas y transmitirles algo, de comunicar, y es aquí donde cobra especial relevancia el diseño gráfico.

 

En el modo de comunicar del diseño gráfico cabe todo. La posibilidad de comunicar tanto del pasado como del presente y del futuro, de los conceptos como amor, amistad, guerra, lucha, hambre, muerte, vida, sano, e incluso para diferenciar bueno y malo. En un diseño pueden coexistir elementos que históricamente han sido imposibles de unificar o inimaginados hasta el momento y esto permite la expansión de la cultura, nuevas formas de pensamiento y, en definitiva, un alterador de la percepción social.

 

La fuerza del diseño gráfico está en su posibilidad de transcender de lo gráfico propiamente dicho. Su verdadera función en la sociedad es la de transmitir más allá de la propia idea plasmada. Aunque los diseños estén subordinados a las necesidades publicitarias pueden contener un mensaje cívico, educativo y de innovación social, rompiendo moldes y capacitando al propio diseño de un valor mucho más allá del publicitario.

En Gráficas Azorín siempre nos mantenemos actualizados para conocer las funciones sociales del diseño.

 

¿Qué impacto tiene la psicología del color en publicidad?

La psicología del color en publicidad es un ámbito que analiza cómo percibimos y cómo se comporta el consumidor ante determinados colores.

El color es uno de los elementos de la imagen más importantes para las marcas, dado que además de identificar la marca puede influir en la respuesta del consumidor, ya que esta no depende siempre de un análisis racional, a veces influyen factores emocionales.

El color no se elige al azar, hay que tener en cuenta muchos factores como los objetivos de la marca o el público al que nos dirigimos, ya que los colores influyen en nuestras emociones y  estado mental.

Cómo percibimos el color en publicidad

Conocemos los efectos que provocan los colores en nuestros consumidores.

 

El ROJO estimula el apetito es por ello que muchas marcas de comida como KFC o McDonald´s lo utilicen en sus logotipos.  En algunas ocasiones también simboliza el peligro en algunas campañas publicitarias.

 

El NARANJA transmite energía, creatividad y alegría. Además, también va dirigido a un público joven, algunas marcas como Fanta, Amazon o Nickelodeon hacen uso de él en sus logotipos.

 

El AMARILLO es más complicado de utilizar, ya que es muy potente y puede cansar la vista,  pero hay marcas como IKEA o Nathional Geographic que lo utilizan ya que consigue llamar la atención del consumidor.

 

El VERDE es el color de la naturaleza por excelencia, lo utilizan marcas de productos responsables con el medio ambiente o comida saludable, entre otros. Es un color que evoca frescor y tranquilidad.

 

El AZUL  es un color serio que transmite seguridad y confianza. Es muy utilizado por marcas tecnológicas, entidades bancarias, etc. Facebook o BBVA son algunas marcas que hacen uso de él.

 

El VIOLETA está relacionado con la imaginación, la espiritualidad, lo religioso… Suele ser utilizado en productos de belleza o productos dirigidos a niños para fomentar su imaginación y creatividad.

 

El BLANCO es identificado con la inocencia, la armonía y la transparencia. No suele ser utilizado como color principal pero ayuda a las marcas a transmitir transparencia y confianza.

 

El NEGRO connota elegancia, responsabilidad y exclusividad. Suele ser utilizado por marcas de lujo, sobre todo en el sector de la moda, para enfatizar la elegancia y aportar sofisticación.

 

Las campañas en blanco y negro ayudan a que el consumidor centre más su atención en las características funcionales del producto y suele ser utilizado por marcas cuyos productos tienen unas características superiores. Mientras que en las campañas a color, el consumidor se fija más en la estética del producto, son las más utilizadas en publicidad y consiguen llamar la atención, además de la actitud favorable del consumidor.

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Conocemos las innovaciones en artes gráficas en 2018

Las innovaciones en artes gráficas en 2018 se presentan como soluciones innovadoras que darán fruto en negocios mucho más prácticos.

Cómo sabemos, la industria de la impresión sufre constantes cambios en su estructura y procesos, a la vez que las nuevas tecnologías se introducen en el sector para facilitar el trabajo y funcionamiento de este. Así mismo, las tecnologías en impresión han avanzado de forma exponencial en los últimos 30 años para poco a poco mejorar la forma de producción y logar la máxima calidad.

Campos de aplicación de las innovaciones en artes gráficas 2018

Son varios fabricantes de equipos y soluciones de impresión los que proponen diferentes avances tecnológicos en diferentes campos del sector.

EL GRAN FORMATO

Canon presentó equipos como Océ ColorWave 500, una maquinaria basada en cápsulas de tinta sólida que ofrecen una mayor facilidad de impresión y favorecen una mayor resistencia a la intemperie.

Otro de los retos del gran formato es la velocidad de impresión, para ello otra de las grandes marcas, Fujifilm, presentó Acuity LED 3200R que alcanza una velocidad de impresión de 110 m2 por hora.

FLEXOGRAFÍA

Otro de los segmentos que ha crecido en los últimos años es el segmento de impresión de etiquetas y paquetes. Una forma de personalización de productos, que agrega una personalidad a la marca.

En este sector, marcas como HP con la línea Índigo presenta aplicaciones y soluciones que permiten la personalización de productos con patrones que cubren millones de alternativas de impresión independientemente de la forma del producto.

También Fujifilm añadió a su línea de impresión plantas para flexografía lavable con agua “Flenex”, que aporta simplicidad y eficiencia al proceso además de ser respetuosas con el medio ambiente al evitar el uso de solventes para la limpieza de las planchas.

IMPRESIÓN OFFSET

La impresión offset seguirá siendo una de las técnicas más utilizadas en imprenta y aunque es una técnica que conocemos desde hace años, siempre encontramos innovaciones y avances tecnológicos para mejorar la productividad y reducir los gastos.

En este caso, Fujifilm introdujo su línea Superia que mejora la rentabilidad ya que reduce el consumo de materiales como la tinta y disminuye los tiempos de operación.

 

En Gráficas Azorín siempre nos mantenemos actualizados para lograr los mejores resultados en impresión.

Tipos de PLV, como elegir la mejor publicidad en tu punto de venta

La publicidad en el punto de venta es una estrategia publicitaria cuyo objetivo es incentivar la compra impulsiva, dar a conocer un nuevo producto o proporcionar información al cliente. Vamos a conocer algunos de los tipos de PLV para poder implementar este tipo de estrategia publicitaria.

Tipos de PLV en imprenta

La publicidad en el punto de venta cuenta con diferentes modelos de aplicación, vamos a conocer algunos de ellos, en este caso con soluciones de impresión:

 

  1. Cartel: uno de los clásicos. Se suelen utilizar para anunciar productos concretos u ofertas efímeras. Una de sus variaciones es la cartelería para colgar en techos, la cual puede llamar más la atención del consumidor por su tamaño y es fácil de instalar puesto que el gramaje del papel se adecua al soporte.tipos de plv
  2. Display: la publicidad display también es posible integrarla en el punto de venta. Los grandes supermercados suelen aplicarla de forma sencilla, en estanterías de producto, la cual resulta muy efectiva. Pero no solo puede ser aplicada por grandes supermercados, en otros comercios puede utilizarse de manera práctica aplicando un poco de creatividad.
  3. Expositor: es una forma de presentar el producto de forma atractiva. Su función es incentivar la venta de un producto y tiene una mayor capacidad de provocar la venta impulsiva.
  4. Stand: los stands deben ser impactantes, con calidad y que sean capaz de representar a la marca. En ellos, suelen desarrollarse actividades o contenidos relacionados con la marca que interese al consumidor.
  5. También son elementos de esta publicidad en el punto de venta adhesivos, banderolas y otros elementos que consiguen llamar la atención del consumidor e influir en su decisión de compra final.

Todos los tipos de PLV pueden ser fabricados con diferentes materiales, como plástico, cartón, metal, etc. Todo depende de cómo aplicamos nuestra creatividad.

En Gráficas Azorín llevamos a cabo la impresión de los elementos necesarios para la publicidad en el punto de venta.

Consejos para diseñadores gráficos

En el mundo del diseño gráfico es importante mantenerse actualizado e informado de las nuevas tendencias que se producen, pero para todos aquellos que están empezando, podemos ayudarlos con estos consejos para diseñadores gráficos:

Diez consejos para diseñadores gráficos

  1. Ante todo, nuestra función es comunicar, por lo que nos dirigimos a un público objetivo y esperamos una respuesta de estos, por ello, todo los elementos integrados en el diseño deben comunicar y debemos pensar en el público al que nos dirigimos, adaptando el mensaje.
  2. Antes de comenzar con el diseño, es muy importante tener un concepto previo, teniendo claro qué vamos a decir y cómo vamos a hacerlo.
  3. Uno de los elementos más importantes son las tipografías. Estas comunican y tienen personalidad por lo que es importante adecuarla a nuestro diseño y a lo que pretendemos transmitir con él. Las tipografías también son una herramienta clave que nos ayuda a jerarquizar la información. Además, es recomendable no utilizar más de dos familias tipográficas distintas en nuestros diseños.
  4. Al igual que la tipografía, el color es un elemento muy importante en el diseño gráfico ya que consiguen transmitir emociones e influyen en nuestras decisiones. Los colores son capaces de definir la personalidad de una marca.
  5. Debemos utilizar las imágenes con un significado y de manera coherente, ya que es más visual y podemos decir mucho más con una imagen que con mil palabras.
  6. Si trabajamos para una marca en concreto, todas las piezas graficas deben mantener una coherencia y de esta manera poder identificar todos los trabajos relacionados con esta.
  7. Debemos captar la atención en lo realmente importante, aquello que pretendemos transmitir, y que en un primer golpe de vista el espectador sea capaz de recibir la información destacable.
  8. Si puedes transmitir todo con menos mucho mejor, dado que el espectador dedica muy poco tiempo a mirar nuestras piezas. Y no debemos tener miedo a los espacios en blanco.
  9. Facilitar la lectura y comprensión al espectador, esto facilitará mantener la atención del usuario en nuestra pieza.
  10. Algo aburrido no se lee, aprovecha y no tengas miedo a arriesgar y sobre todo ¡sé creativo!

 

Desde Gráficas Azorín te animamos a iniciarte en este mundo apasionante del diseño gráfico.